Marie-Pierre Arthur : « Aux alentours » (Simone Records, 2012)
La québécoise Marie-Pierre Arthur, dont la voix fait fort penser à sa concitoyenne Cœur de Pirate, présente ici son deuxième opus. La chanteuse déroule avec une aisance toute naturelle dix morceaux marqués par une légèreté pop mais également par un aspect téméraire très séduisant. Elle n’hésite pas à aller piocher dans d’autres univers comme le gospel ou encore le post-rock. Ces sorties de route donnent une dimension intéressante et originale à ce disque qui s’avère captivant de bout en bout. (AM)

Barbarie Boxon : « Par trois par deux partout » (Autoproduction, 2012)
Premier EP pour Barbarie Boxon, alias Barbara Malter-Terrada et Thierry Bodson. Et disons-le d’emblée, c’est un petit bijou ! Il faut dire que les amoureux ne laissent rien au hasard. Ils jonglent avec la langue avec un naturel déconcertant. Tout en faisant sens, les mots ici sont l’essence du son et de l’émotion. C’est un véritable feu d’artifice stylistique : inventaire, allitérations, glissements de sens… La musique est une invitation permanente au voyage : rythmes du monde, bossa nova, étrange complainte, blues à vif. Le tout dans une aura de ‘cabaret chanson’ qui n’a rien de rétro. Quant aux arrangements de Gilles Mortio, ils sont tout simplement sublimes, réussissant l’équilibre parfait entre harmonisation, groove et expérimentations. Du grand art. (GD)

Mathieu Boogaerts : « Mathieu Boogaerts » (Tôt ou tard, 2012)
Après l’expérience riche de l’album I LOVE YOU (2008) où chaque titre était composé en partant de la batterie, Mathieu Boogaerts revient avec 12 chansons composées le plus naturellement du monde, la guitare en bandoulière. On se rapproche de son album MICHEL (2005), en moins intimiste. Ce nouvel opus regorge de perles comme le groovy « On dirait qu’ça pleut » ou la chanson-phare « Avant que je m’ennuie » où la poésie faussement naïve et épurée de l’artiste n’a jamais été aussi directement touchante. Boogaerts n’a rien perdu de sa fraîcheur. Il a même gagné en maturité dans sa manière de la transmettre. Cet album très inspiré est ce qu’il a fait de plus généreux à ce jour. (GD)

Jean-Daniel Botta : « Ammi.Majus : Grand Goûter » (Le Saule, 2012)
Ah ! Que ce disque fleure bon les déjeuners sur l’herbe sauvage ! Les coins d’ombre y sentent le chaud des cachettes. Les rais de clartés diffusent leurs mystères, intacts. Balade acoustique et épurée aux sons de la guitare, maîtresse fidèle du chanteur. Une pluie de cordes rafraichissantes dont Jean-Daniel Botta détient les ficelles à sa manière, de son toucher fin, créant une folk song soyeuse aux déhanchements de danseuse africaine. Une fois mise en bouche, cette galette se déguste sans fin. La toute poésie qui s’en dégage ne s’explique pas. Pour créer ses courtes pièces, l’auteur élague, fauche l’ivraie pour ne garder que l’ivresse des images inattendues. Simple et sophistiquée, la chanson de Jean-Daniel Botta demande qu’on y revienne souvent pour en déceler tous les goûts. (GD)

Barbara Carlotti : « L’amour, l’argent, le vent » (Atmosphériques, 2012)
L’AMOUR, L’ARGENT, LE VENT est le troisième album de la chanteuse Barbara Carlotti. On retrouve la voix grave et soyeuse de la diva, ainsi que ses mélodies enchanteresses. L’œuvre se montre plus orchestrale que ses précédents volets comme dans « Nuit sans lune » intimiste et sensible avec de jolies résonances de sitar, « L’avenir » composé lors son voyage au Japon et construit comme une chanson pour geisha au son du Koto, «14 ans » à l’univers festif mode années 80 rythmé sur des sons de claviers, de chœurs et de guitares. Il en ressort un album créatif avec une impression de sons travaillés à l’extrême. (CL)

Éloïse Decazes et Eric Chenaux : « Eloïse Decazes et Eric Chenaux » (Okraïna, 2012)
La chanteuse Éloïse Decazes (ARLT) se réapproprie, dans ce très joli LP, quatre grands classiques traditionnels français et deux reprises se situant dans le même esprit. Ces ‘terribles’ textes ont en commun d’être chargés d’une émotion qui relève de l’étrange et de mettre en avant la cruauté et la folie des hommes. Éloïse transcende ces sombres joyaux de son chant si caractéristique qui s’installe délicatement dans l’écrin de nos oreilles, avec une précision lyrique et une certaine préciosité bien sentie qui ne trahit en rien l’authenticité de sa démarche. Elle est accompagnée pour l’occasion par Éric Chenaux, guitariste incontournable de la scène folk et avant-gardiste. Un disque enivrant qui tend à immobiliser le temps au travers d’une interprétation sobre qui ose s’étirer pleinement. (GD)

Fredda : « L’ancolie » (Traffix Music, 2012)
Avec ce troisième album, la chanteuse française Fredda (Frédérique Dastrevigne) nous offre une fantastique ballade folk remplie de souvenirs d’été. Moins jazzy que TOUTES MES AVENTURES et nettement plus américain que MARSHMALLOW, on y retrouve l’esprit sixties de RADIOMATIC, au travers d’une ambiance plus douce et chaleureuse. Une orchestration dépouillée, des airs de blues et de rumba permettent à la voix fragile de la demoiselle de prendre toute son ampleur à l’image de la fleur du même nom. (CL)

Arthur H. & Nicolas Repac : « L’or noir » (Mystic Rumba, 2012)
L’OR NOIR est un projet mettant à l’honneur les poètes contemporains de la Caraïbe francophone. C’est dans une ambiance moite et tropicale qu’Arthur H récite des poèmes africains (Aimé Césaire), haïtiens (René Depestre, James Noël, Dany Laferrière) ou antillais (Édouard Glissant, Daniel Maximin). L’habillage sonore de Nicolas Repac, destiné à rendre ces déclamations plus « digestes », entre en parfaite synergie avec la voix rauque et intrigante d’Arthur H. Un projet ambitieux qui rend cette poésie légère, agréable et définitivement passionnante. (AM)

Antoine Hénaut : « 36.000 » (30 Février, 2012)
Ce jeune auteur et compositeur belge chante des moments de la vie quotidienne avec poésie et humour, une voix sensuelle et chaleureuse ainsi que des jeux de mots qui font penser à Thomas Fersen comme par exemple dans les titres « Elle», « Dilemme » ou « Les gens comme toi ». On retrouve chez ce jeune garçon, une musique de type spectacle et un côté clown sensible et maladroit qui provient sans doute du fait que sa famille est issue du milieu du cirque. Bel exercice de voltige pour ce nouvel espoir de la scène belge avec ce disque joyeux et coloré ! (CL)

Isabeau et les chercheurs d’or : « Isabeau et les chercheurs d’or » (Nomade, 2012)
Véritables filons d’or, les québécois d’Isabeau et les chercheurs d’or nous proposent un univers western rétro laissant découvrir des arrangements efficaces et un amour pour les sons acoustiques. Le style du quintet fonde ses bases sur une musique country traditionnelle nourrie d’influences pop, bluegrass et folk. La voix puissante, pétillante et chaleureuse d’Isabeau se marie à merveille avec cette ambiance festive énergique et puissante. (CL)

Lisa Leblanc : « Lisa Leblanc » (Bonsound, 2012)
Lisa Leblanc se plait à dire qu’elle pratique de la « trash folk ». On ne peut que lui donner raison à l’écoute de ce premier album éponyme signé chez Bonsound et produit par Jean-Louis Cormier (Karkwa). Dans ses chansons souvent dominées par un banjo sale mais entêtant, elle décrit sa misérable condition humaine avec beaucoup d’humour et un accent québécois à couper au couteau. La production rugueuse est tout à fait à propos et parvient à mettre en avant l’authenticité de la jeune femme. Elle sait aussi se montrer sensible sur des titres plus épurés comme « Juste parce que je peux » ou « Aujourd’hui ma vie c’est de la marde » qui amènent un contraste bienvenu et font de ce premier essai un disque riche et terriblement personnel. (AM)

La Mordue : « La Mordue » (Spherware, 2012)
Premier essai pour Caroline Varlet dite La Mordue. Véritable chanteuse à texte qui sait manier l’accordéon, elle ne mâche pas ses mots et dresse un tableau incisif sur des thèmes tel que l’amour, la société ou les relations homme/femme. Accompagnée par François Guernier dit Tichot, elle dévoile un disque à l’ambiance pop rock avec des chansons de style réaliste et une orchestration raffinée. La Mordue, c’est une voix chaleureuse et fragile, un univers féminin sensible et tendre comme dans «Petite femme », des révoltes et des coups de gueule comme dans «Les plus intelligents des hommes », un regard lucide et cruel sur la vie comme dans «Plus je prends des kilos », et c’est aussi une dose d’autodérision dans « Mes nénés », avec une quantité de moments pour rire d’elle-même. (CL)

Céline Ollivier : « La femme à l’éventail » (F2FMUSIC, 2012)
Premier album pour l’ancienne guitariste et chanteuse du groupe Maximum Kouette qui se fait cette fois auteur compositeur et interprète. Pour cet album pop aux sonorités latines, elle s’entoure de Benjamin Brion à la guitare et au chant, de Martin Gamet pour les arrangements et de Stéphane Prin pour le mixage. Le contenu est rempli d’instants choisis et de portraits de femmes comme « Alice », « la femme à l’éventail » ou « A ta manière » qui se montrent féminins et poétiques. La demoiselle charme avec un timbre de voix délicat, une écriture piquante et des mélodies qui se fredonnent aisément. (CL)

R.Wan : « Peau rouge » (Wagram Music, 2012)
Troisième essai solo pour R.WAN, l’ancien chanteur du groupe Java. Celui qui se présentait comme le porte-drapeau du « rap musette » ne manque pas d’idées sur PEAU ROUGE, disque dense et hétéroclite. Sa plume acérée et engagée parvient avec finesse à dénoncer tout en faisant sourire l’auditeur. Musicalement, on reste dans un mélange indéfinissable à situer entre hip-hop, slam, musette, le tout avec une énergie rock, voire punk. Entre guitares et cuivres, R.Wan parvient à susciter l’émotion avec une recette délirante mais pourtant homogène. Un artiste définitivement à part sur la scène française. (AM)

Têtes de chien : « Portraits d’hommes » (Frémeaux & Associés, 2012)
Ces quatre joyeux troubadours à la voix envoûtante et puissante revisitent les chants traditionnels « a cappella » avec humour et poésie, dans un style festif nourri de diverses influences entre musique médiévale, folklore et musique du monde. Les arrangements polyphoniques façonnent des sons étranges à la fois profonds, mystiques et authentiques. Tantôt, on les entend murmurer, tapoter ou encore aboyer. Les quinze chansons s’articulent en histoires goguenardes et exploitent la vie quotidienne des contes et légendes de nos ancêtres. Une œuvre magique de qualité où l’on reste véritablement scotché ! (CL)

Pour rentrer pleinement dans ce disque, il faut apprécier le rock baroque (un peu moins barré ici qu’auparavant), les jeux vocaux quelque peu timbrés, les textes qui jouent la carte de l’anachronisme, la femme libérée et les mélodies surprenantes. Pas vraiment de tubes à l’horizon, juste de belles ballades qui demandent à être apprivoisées. Car si vous n’allez pas vers elles, elles ne viendront pas à vous, hormis « Le roi des forêts » plus proche, dans le son, de ses productions antérieures.

Alors que chaque titre de l’album Tableau de chasse (2008) était inspiré d’un tableau, les chansons ici jouent avec le vocabulaire de l’art plastique, de la Renaissance au Surréalisme, pour évoquer des moments d’une grande intimité et des histoires d’amour fragiles. En choisissant de mettre en avant la viole de Gambe et les guitares (électrique et  classique), la chanteuse défend l’idée d’une musique sans compromis qui s’écoute tranquillement, assis à l’intérieur de soi-même.

Un beau disque inspiré, parfois étrange… Mais surtout, profondément revigorant. A goûter les yeux fermés.

Guillaume Duthoit

Cette jeune chanteuse lyonnaise a fait partie du groupe de rock féminin Subway en tant qu’interprète et guitariste. Avec l’album TROPIQUES, elle se libère en changeant totalement de registre. On la retrouve ainsi accompagnée d’un piano dans un style pop sensuel et gracieux. Produit et réalisé par la chanteuse Katel, le disque renferme des arrangements efficaces et subtils. Marc Chouarain au piano et de Denis Benarrosh à la batterie l’accompagne dans une musique douce et lumineuse qui se marie parfaitement à son timbre de voix délicat.

Les dix chansons écrites et composées par la jeune femme possèdent une touche féminine poétique. Il y a plusieurs balades intimistes où elle chante les sentiments, l’amour et ses maux, elle y affectionne parfois le vouvoiement avec respect et noblesse comme en témoigne le tendre titre « Le départ ». Et, dans un morceau comme « La fabrique des fauves », elle porte un regard critique sur notre société. Les textes sont aboutis, ils baignent entre légèreté mélancolique et paroles sombres.

Maissiat évolue de manière personnelle entre la préciosité d’une Barbara Carlotti, l’écriture d’un Alain Bashung et le romantisme d’une Françoise Hardy.

Céline Lépinois

C’est grâce aux célèbres ateliers d’écritures d’Astaffort organisés par Francis Cabrel qu’elle rencontre Emily Loizeau. Cette dernière, rapidement séduite par ses multiples qualités artistiques et son univers proche du sien, décide de réaliser ce disque. Cette collaboration n’empêche pas Salomé de dévoiler sa marque de fabrique avec une sensibilité toute personnelle. Tel un véritable petit oiseau, elle séduit avec sa voix douce et rauque. Sa musique folk et pop est soutenue par la parfaite maîtrise de son jeu de guitare électrique où parfois s’ajoute un trombone ou une batterie. Enrichie d’une expérience de lettres à Montréal, les textes se révèlent merveilleusement bien écrits et empreints de poésie. Ils nous entraînent sur la route des amours tourmentés, dans des cadres bucoliques proches de la nature. Des morceaux qui nous donnent à rêver, plongés au milieu du vent, des libellules, d’un bouleau ou d’une fontaine comme en témoigne les titres «Sous les arbres», «Dans la prairie» ou «Partir ensemble».

Laissez-vous emporter par cette voix fragile et particulière qui s’épanouit dans un univers magique plein de charme !

Céline Lépinois

Musicalement, c’est la guitare électrique, feutrée et sophistiquée, faussement jazz et délicieusement pop, qui prédomine. Quelques touches synthétiques et electro, ici et là, viennent discrètement ponctuer les intentions du musicien.

La façon de chanter n’est pas commune. On sent qu’on a affaire à un personnage qui va nous balader dans des sphères inédites. En effet, L’Os de Seiche surprend par ses histoires étranges et parfois franchement absurdes. Il se fond naturellement dans la peau de femmes (une jeune dame qui ne supporte pas les enfants, une personne âgée délaissée qui se transforme en braqueuse de banques), traverse les solides au fond d’une mine de diamants et risque de se noyer dans une histoire d’amour avec une amphibie.

Pour terminer, il touche au sublime avec une chanson rare où il soutient d’une très belle façon son âme-sœur à la dérive  :

Enfin, on reste sans voix devant la superbe pochette sérigraphiée dont les dessins ont été réalisés par le chanteur lui-même. Une sacrée découverte !

Guillaume Duthoit

♣ L’Os de Seiche : « De bons échos », Label Ploum !, 2010. ♣

www.collectifploum.be

Cette nouvelle formation québécoise réunit cinq jeunes musiciens et chanteurs, et se compose de l’interprète principale Isabeau valois (banjo et mandoline), de François Gagnon (guitare, chant et harmonica), de Simon Pelletier-Gilbert (batterie, chant et percussions), de Marie-Christine Roy (violon) et enfin de Cédric Dessureault (contrebasse).

L’écoute des treize titres révèle la voix puissante, pétillante et chaleureuse d’Isabeau qui fait honneur à une ambiance festive énergique puissante. Le style du quintet fonde ses bases sur une musique country traditionnelle nourrie d’influences pop, bluegrass et folk.

Cet univers western rétro laisse découvrir des arrangements efficaces et un amour pour les sons acoustiques. Quant aux thèmes des chansons, c’est de manière contemporaine et personnelle, avec des paroles simples et poétiques, qu’ils abordent autant des histoires ordinaires sur la vie quotidienne que des contes plus tendres sur l’amour, comme en témoigne le romantique « Septembre », ou au contraire le très dansant « J’vais nous bâtir une maison ».

Voilà donc une bonne bouffée d’air frais issue des plaines américaines apportée par un groupe des plus prometteurs!

Céline Lépinois.

Une pochette assez sobre. Et pourtant, dans Portraits d’hommes,on est loin de s’ennuyer avec un chant décalé, dépouillé et vif. Ces joyeux troubadours à la voix envoûtante et puissante opèrent dans un style festif nourri de diverses influences entre musique médiévale, folklore et musique du monde. Les arrangements polyphoniques façonnent des sons étranges à la fois profonds, mystiques et authentiques. Tantôt, on les entend murmurer, tapoter ou encore aboyer. Les différentes chansons s’inspirent de berceuses, de prières, de chansons de gestes ou de récits issus de la tradition orale. Mais, c’est aussi grâce au travail de collectage des chants populaires de la France entière réunis en une anthologie de Joseph Canteloube de 1950 que le groupe a pu remettre au goût du jour les textes d’époque. Les quinze chansons sont retravaillées de manière moderne et originale, elles s’articulent en histoires goguenardes et exploitent la vie quotidienne des contes et légendes de nos ancêtres. On se régale avec des portraits comme : Christine de Nantes (femme de charpentier), Nanette, le grenadier, le galant indiscret ou le curé moqueur.
En résumé, voilà un bon terreau français qui arbore une impressionnante prouesse vocale, une manière de chanter plutôt urbaine et une volonté pour ces artistes de partager une démarche créative. Une œuvre magique de qualité où l’on reste véritablement scotché!

Céline Lépinois

Qui se cache sous ces moustaches ? Un voleur de grand chemin ? Qui derrière ces lunettes noires déambule parmi les foules ? Un psychopathe en sommeil ? Mais non voyons, ne reconnaissez-vous pas l’ami Boule ?

Après deux albums confidentiels (Chansons vaches et Je suis artiste), Boule (de son vrai nom Cédrik Boulard) dévoile au grand jour un troisième opus anti-déprime et fantaisiste à l’envi. À la façon d’un Thomas Fersen, le bonhomme nous conte de drôles d’histoires où l’on se frotte à une galerie de personnages singuliers, inquiétants, attachants : un cycliste interstellaire, une couturière au physique ingrat, le petit-fils de Fantômas…

Maniant avec force humour le verbe et les rimes, usant d »un ton à la fois cinglant et amusé, Boule déclame une poésie accessible et inspirée, riche mais point précieuse. Comme en témoigne le premier clip tiré de l’album (Petit-fils de Fantômas), le petit monde musical de Boule doit beaucoup à la B.D. Visuelles à souhait, ses petites chansons se rapprochent de l’univers développé par le duo Caro-Jeunet (Delicatessen, La Cité des enfants perdus) ; déjanté, onirique mais non dénué de discours. Car sous l’apparente banalité de ses histoires, on peut voir poindre quelques attaques en règle à l’encontre de dérives sociétales, humaines, contemporaines : Le biffin (la pauvreté), Penser à voir un psychologue (la violence ordinaire), Cervelle (l’éducation). Si l’ombre d’un Gainsbourg plane ponctuellement au dessus du présent disque (Le clou) c’est peut-être pour souligner un peu plus la fougue grinçante du sieur Boule.

Percussions, guitares, contrebasse et quelques cuivres font bien plus qu’accompagner les paysages chantés ; ils leur répondent, les transcendent, les animent. Simplement, sans jamais forcer le fragile équilibre musique/mots.Et comme un bon repas ne peut s’envisager sans dessert, le troubadour s’offre en guest un duo avec Nicolas Jules (Dannie) et même un coaching de Didier Super, véritable maître à penser musical.

Maître du déguisement, conteur moderne et égratigneur de patine, Boule jamais ne la perd. S’il fait tourner les têtes, c’est pour mieux les remettre dans la bonne direction. Qui n’est pas toujours celle que l’on pense.

Michaël Avenia

Barbarie Boxon est né de la rencontre de deux jeunes auteurs compositeurs interprètes belges en ébullition, Barbara Malter-Terrada et Thierry Bodson. Le couple à la scène comme à la ville a vite ressenti le besoin de confronter son joyeux bordel au talent d’une tierce personne : le magicien Gilles Mortio, multi-instrumentiste, arrangeur et ingénieur du son. Le projet prend dès lors toute son ampleur.

Leur premier EP « Par trois par deux partout » vient juste de sortir. Et disons-le d’emblée, c’est un petit bijou ! Il faut dire que Barbara et Thierry qui chantent en duo sur la plupart des titres ne laissent rien au hasard. Ils jonglent avec la langue avec un naturel déconcertant. Tout en faisant sens, les mots ici sont l’essence du son et de l’émotion. C’est un véritable feu d’artifice stylistique : inventaire (« Paniquer »), allitérations (« Dancefloor », « Paniquer », « Ibiza », « Ruines »), glissements de sens (« Les poux »). Les amoureux nous parlent bien sûr d’amour : amour charnel, voyage d’amour, séduction, amours perdues… D’un autre côté, il y a le très baudelairien « Ruines », terrible confession d’une jeune fille ravagée, dont la musique grince du côté du « Ne me quitte pas » de Brel.

La mise en musique de ces paroles s’est faite avec tout autant de talent, dans une invitation permanente au voyage : rythmes du monde, bossa nova, étrange complainte, blues à vif. Le tout dans une aura de ‘cabaret chanson’ qui n’a rien de rétro. Quant aux arrangements de Gilles Mortio, ils sont tout simplement sublimes, réussissant l’équilibre parfait entre harmonisation, groove et expérimentations. Du grand art.

Un peu sur notre faim (6 titres excellents, ce sera toujours trop court), on attend avec impatience la suite…

Guillaume Duthoit

Barbarie Boxon : « Par trois par deux partout », Auto production, 2012

Les douze titres qui ornent le présent disque ont été composés durant les représentations que l’intéressé a données à la Java durant près de trois ans. Accompagné de sa guitare, parfois d’une basse et d’une batterie, la formule se voulait simple et primaire. De ce besoin de simplicité est né le « Mathieu Boogaerts » nouveau. Peu de place ici à l’esbroufe, aux arrangements racoleurs derrière lesquels cacher la vacuité d’un quelconque discours vain. L’auteur-compositeur-interprète a recentré l’intérêt premier de ses chansons sur les textes. Ramenés à une expression qui les rend intelligibles dès la première écoute, ils gardent heureusement cette part d’indicible étrangeté qui traine dans son sillage son lot d’images d’Epinal.

Même s’ils laissent aux mots une aire de jeu considérable, les arrangements n’ont bien évidemment pas été négligés pour la cause. Simples, certes, dépouillés et peu aventureux, ils témoignent cependant d’un savoir-faire et d’une maîtrise qui touchent au sublime. Ce n’est pas un hasard si on retrouve sur cet album le bassiste (Zaf Zapha) et le batteur (Fabrice Moreau) qui ont accompagné le chanteur durant ses représentations à la Java. À noter également la présence d’Albin de la Simone sur un titre (« Sylvia »).

Rythmes empruntés au reggae (on connait son attachement à la musique du grand Bob), mélodies qui évoquent un Tom Waits abreuvé au jus de fruits, « Mathieu Boogaerts »est un album à la fois riche et consistant drapé par moment d’un spleen d’une jolie naïveté.

Digne héritier d’une variété française moins rutilante que généreuse, ce bien bel album à dimension humain tend les bras à une audience qu’on espère la plus large possible.

Michaël avenia